c'était bien

WHO'S THAT KNOCKING AT MY DOOR

2009-06-05T07:00:00.000-07:00

Vous avez du mal à reprendre goût à la vraie vie depuis que le Festival de Cannes est terminé ? Vous en avez marre du cinéma ?? L'actualité ne vous intéresse plus ?? Et même les charmes de Claire Chazal ne suffisent plus à vous captiver le temps d'un JT ???

Solaris Distribution a pensé à vous en sortant la première oeuvre de Martin Scorcese datant de... 1967 !

Inédit en salle, ce film relate les aventures d'un jeune dandy décadent, interprété par un Harvey Keitel débutant, à mi-chemin entre Antoine Doinel et Michel Poiccard... Ces noms ne sont pas là par hasard, car on peut considérer ce film comme une extension américaine de la nouvelle vague ! On y retrouve la même énergie, l'envie de filmer la ville et la jeunesse... Et l'amour du cinéma ! Comme Truffaut, Scorcese emballe son film de référence au cinéma, notamment dans une scène mémorable où J.R (H.K) drague une jeune femme lisant Paris-Match et digresse sur les Westerns et John Ford. Le jeune homme, tourmenté par ses principes catholiques qui deviennent un vrai dilemme sentimental, distribue les 400 coups de poing dans les bars enfumés de New-York !

Les défauts technique du film (lumières et sons approximatifs) nous donnent l'impression d'avoir sous nos yeux un vrai bijoux, encore à l'état brut. Ce versant sombre et psychédélique de la nouvelle vague est d'une violente virtuosité. Un film à savourer on the rocks !

Who's that knocking at my door, un film de Martin Scorcese, sortie en salle le 10 juin 2009.

CANNES : Conversation avec Josh et Benny SAFDIE

2009-05-23T06:00:00.000-07:00

Juste avant de quitter la croisette, rendez-vous avec les deux mascottes de la Quinzaine des Réalisateurs et auteurs du vrai coup de coeur de ce Festival, GO GET SOME ROSEMARY.

Un après-midi avec les Frères Safdie, c'est la promesse d'un instant de bonne humeur. Surtout à la terrasse de la Quinzaine, qui est devenue leur seconde maison le temps du Festival. Du barman aux vigiles, ils connaissent tout le monde.

Josh arrive avec 30 minutes de retard, je patiente donc avec Benny et l'attachée de presse. Il arrive finalement et avec une bonne excuse, il sort de la projection du dernier film de Luc Moulet. Ils ont en effet la particularité de ne vouloir rater aucun film de la sélection. Ce qui est rare à Cannes, les équipes n'effectuent généralement qu'un bref séjour sur la croisette. Pas eux, "ce sont nos vacances" se justifie Josh.

C'était bien : Vous présentez cette année un film dans le même esprit que The Pleasure of Being Robbed, à ceci près qu'il parait plus écrit, avec une narration plus développé. Il est d'ailleurs plus long de trente minutes. Pourquoi ?

Josh Safdie : The Pleasure of Being Robbed était plus organique, comme un morceau de jazz. Le projet n'avait pas la même forme. Cette fois-ci, Benny et moi, on a essayé de comprendre la complexité de la relation entre un père et ses enfants. Donc on a senti le besoin de plus écrire.

Benny Safdie : C'est un peu comme vouloir raconter un mensonge, tu essayes de donner le plus de détails possible pour être plus crédible. Et parfois, quand on buttait sur quelque chose, on avait la possibilité de s'appuyer sur ce qu'on avait écrit.

Vous aimez travailler en improvisant. Mais cette fois-ci il y a deux enfants dans le casting. Comment s'est passé le tournage ?

Josh Safdie : C'est très difficile, car l'improvisation signifie que les acteurs doivent s'adapter en permanence à la situation. Et avec les enfants tu dois tout le temps gérer leur énergie.

Benny Safdie : En même temps, on ne voulait pas que les enfants nous regardent nous, mais leur père (joué par Ronald Bronstein, NDLR). Donc on a beaucoup travaillé avec Ronnie avant le tournage pour qu'ils s'habituent à lui, c'était lui qui les dirigeait.

Le fait que la caméra soit en mouvement, comme si c'était quelqu'un qui marche, car on ne fixe jamais la caméra sur un trépied, ils savent qu'ils peuvent bouger dans toute la pièce sans nous géner, car on pourra les suivre. On est tout le temps avec eux.

Sur The Pleasure Of Being Robbed Josh était le seul réalisateur, cette fois-ci vous étes deux. Comment vous partagez-vous le travail ?

JS : J'étais le chef opérateur la moitié du tournage, pendant que lui s'occupait du son. Puis on alterne, entre le son et l'image. On discute constamment, on observe nos réactions. Par contre lorsqu'on écrit on n'arrête pas de se disputer, car on est très critique l'un envers l'autre. Mais on essaye de faire ça avec humour.

On est similaire, mais avec des contradictions. On retrouve ça dans le film. Notre passion commune est dans le film. Et c'est pourquoi nous avions besoin de faire ce film ensemble.

Il est intéressant de voir que l'on retrouve certains personnages d'un film à l'autre...

JS : Ils sont dans le court-métrage de Benny aussi !

On a l'impression qu'ils continuent à vivre après que le film se termine...

JS : C'est important pour nous que ces personnages continuent à vivre, car ils sont une caricature de notre esprit. C'est comme une grande expression globale.

BS : On ne peut pas tout explorer avec un seul film, donc cela a du sens de les retrouver à chaque fois...

Un autre détail intéressant à voir dans vos films, c'est l'utilisation de la voiture. On sent qu'aux Etats-Unis la voiture est synonyme de grande routes, de folles échappés et de liberté... Comme vos films.

JS : C'est de la pure liberté, car c'est le début du temps qu'il va passer avec ses enfants. Et pour l'équipe c'est important la voiture, car tu es constamment dans le mouvement, tu n'as pas le choix. On a d'ailleurs mis les acteurs en danger, car le conducteur devait à la fois jouer et conduire la voiture. On a failli mourir trois fois !

Pour ce père, c'est la vraie liberté. C'est le seul endroit où il peut embarquer ses enfants, il veut leur faire vivre une aventure.

BS : C'est amusant, car pour cette séquence, il y a 5 personnes dans la voiture et on a choisit la plus petite voiture qui soit ! Les acteurs devaient se baisser pour que l'on puisse filmer !

J'ai quelque chose à vous montrer... (je sors la dernière édition des Cahiers du cinéma qui comporte plusieurs articles élogieux à leur égard).

JS : Oh oui, j'ai acheté une copie ! (Il le prend et le feuillette, NDLR) Regarde ça, Alain Resnais... Jean-Luc Godard ! C'est fou ! J'ai un exemplaire des années 1960 de ce magazine, c'est... Oh regardez Stéphane Delorme est là ! (le journaliste des Cahiers du cinéma et membre du comité de sélection de La Quinzaine passe à côté, NDLR) Stéphane ! Il nous montre les Cahiers du Cinéma ! (Rires, NDLR). C'est la première personne que j'ai rencontré ici et il est la raison pour laquelle on fait partie de la famille de la Quinzaine.

Cette page est complètement folle, lisez la page 26 ! (en s'adressant au magnétophone, NDLR)

Oui, deux pages sur votre film, c'est fou ! Et regardez l'article du début, sur l'esprit de la Nouvelle Vague aujourd'hui, "c'est l'énergie et la sensibilité des frères Safdie".

JS : Oh mon dieu ! C'est incroyable ! Ces films nous ont inspirés... Ils on réussi à synchroniser le style et l'appréhension du monde réel...

BS : Il y a certaines choses que tu ne peux capter qu'avec un style particulier. Mais les émotions viennent en premier et la manière de les capter viennent après.

JS : Le style est dans les détails, c'est ce que j'ai appris des films de la Nouvelle-Vague... C'est fou ! Complètement fou !

Vous faîtes parti de la famille maintenant !

Les propos ont été recueillis et traduis par mes soins.

CANNES - LES HERBES FOLLES

2009-05-20T09:51:00.001-07:00

Séquence émotion. Cet après-midi était projeté le dernier film d'Alain Resnais, LES HERBES FOLLES. Le public Cannois a rendu le plus beau des hommages au cinéaste de 86 ans, en l'accueillant par une folle standing-ovation de plus de 10 minutes !

Resnais a convoqué sa fidéle bande d'acteur (Azema, Dussolier), mais également la nouvelle génération (Amalric, Baer, Duvauchelle, Forestier), pour raconter la destinée amoureuse de Marguerite et George réunie par le hasard de la vie.

La projection vient de se terminer et il est encore difficile d'avoir un avis bien précis. L'émotion que véhiculait la salle transcende forcément sa vision. Si ce film est moins évident que son précédent COEUR, dont la grandeur sautait aux yeux, il est certain que celui-ci tient aussi quelque chose. Resnais jouit d'un vrai recul sur la vie et le cinéma, il en joue et c'est un plaisir. Il continue aussi sa réflexion sur le temps qui passe et la vieillesse, on sent (hélas) un réalisateur en fin de vie. En témoigne ce bout de dialogue prononcé par un patient de Marguerite (elle est dentiste) : "je vais pouvoir vous sourire la prochaine fois, je vais même vous dire qu'il n'y aura pas de prochaine fois". Si ce n'est pas son plus grand film, on peut en tout cas affirmer que ce n'est pas une herbe folle dans sa magnifique filmographie.

CANNES - GO GET SOME ROSEMARY

2009-05-18T03:34:00.001-07:00

L'un des vrais plaisir de ce Festival : retrouver la joyeuse bande de Josh Safdie ! J'avais rencontré le cinéaste new-yorkais et sa compagne il y a peu, c'était à Paris pour la promo de The pleasure of being robbed. Ils sont de retour à la Quinzaine des Réalisateurs avec Go get some rosemary que Josh à réalisé avec son jeune frère Benny.

Dans ce film les deux frères s'inspirent de leur enfance et racontent l'histoire d'un père (joué par Ronald Bronstein) qui ne voit ses enfants que deux semaines tous les six mois. On retrouve le même esprit que dans le précédent film, avec toujours cette caméra qui ne cesse de vivre et de bouger au rythme du coeur de celui qui la tient. La différence tient dans la narration, beaucoup plus développé que dans The Pleasure. Le film dure d'ailleurs 30 minutes de plus. On y retrouve quand même des moments de vérité incroyable, grâce à cette façon de filmer les acteurs de loin lorsqu'ils sont à l'extérieur. En témoigne cette scène dans un fast-food. Ronnie commande son hot-dog, les serveurs ne jouent pas, ils sont dans la vraie vie.

Avant de les interviewer très prochainement, j'ai pu passer la soirée avec eux lors de la fête organisée en l'honneur de leur film. Pour m'apercevoir à quel point la réalité peut parfois dépasser la fiction. Ces gens sont aussi délicat et adorable que leur film. Du début de la soirée, où ils ont voulu rejoindre la villa à pied (pourtant situé sur les hauteurs de Cannes), créant ainsi une joyeuse expédition pour les happy-few, à la fin où Josh faisait le service après avoir sauté dans la piscine, ils n'ont jamais cessé d'être avenant avec les gens. Il faut voir les yeux de Josh et Benny briller lorsqu'on leur parle de l'article si élogieux des Cahiers du Cinéma, où même les deux enfants du film qui continuent à jouer avec leur père de cinéma, Ronald Bronstein. Une jolie fête pour un joli film... Qui se termine au petit matin ! Difficile ensuite d'enchaîner avec les projections, je n'ai vu qu'un film en deux jours.... Aïe.

CANNES - Conversation avec Vladimir Perisic

2009-05-17T12:50:00.000-07:00

Petit tour à la Semaine de la Critique, avec un film Serbe, ORDINARY PEOPLE. Un jeune homme débarque dans un régiment militaire et doit exécuter des prisonniers. On suit cet enfer et cette longue acceptation. C'est un film âpre, composé de longs plan séquences avec un son très travaillé, notamment lors d'une scène incroyable, dans un bus, avec le son infernal du moteur et la caméra qui s'attarde sur le visage de la jeune recrue.

Rencontre matinale, en terrasse, sous le soleil cannois qui était de retour...

Comment est né ce film que vous présentez aujourd'hui à Cannes ?

L'idée du film est née lorsque sont apparues les images de tortures à Abu Grahib. J'avais lu deux études faites en 1970, qui sont des expériences scientifiques qui essayent de comprendre comment les soldats arrivent au stade de commettre des crimes de guerre. Même si c'est une formulation que je n'aime pas employer, car elle implique que la violence dans la guerre est quelque chose de secondaire, elle te fait oublier que la guerre est un crime. Comme si la guerre était quelque chose de normal et que parfois il y avait des dérapages. Non je pense que la guerre est un crime, point. Pour revenir à ces études, à Stanford dans les années 1970. Dans les sous-sols ils ont créés une fausse prison avec des prisonniers et des gardiens, pour voir leur comportement. Et au bout de sept jours ils ont du arrêter,car ça dérapait dans une violence insupportable. L'autre expérience, était de savoir quels sont les effets de la punition sur l'apprentissage. Les personnes invitées devaient donner un petit électrochoc à d'autres personnes. On leur posait des questions et à chaque mauvaise réponse, on lui donne un électrochoc et à la seconde mauvaise réponse, l'électrochoc est plus grand. Mais la personne qui le reçoit est un acteur et les électrochocs sont faux, sauf que la personne qui les donne ne le sait pas. Et 80% des personnes sont allés jusqu'à un électrochoc mortifère. L'idée qui se dégage de ces expériences, c'est que la violence vient de gens qui obéissent à l'autorité, dans un cadre qui les rassure.

Donc je me suis dit que le tournage devait être une sorte de mise à l'épreuve de ce concept. J'ai écrit un scénario de 25 pages en un mois. On l'a abandonné, on a tourné avec non-acteurs, ils n'avaient pas lu le scénario et je composais le film avec leur réaction lorsque je leur expliquais la scène. Les questions étaient, au début, comment tu te léves ? Comment tu fais ton lit ?Comment tu te rases ? Comment tu prends le bus ?... Pour arriver à, qu'est-ce que tu aurais fait dans cette situation-là ?

On sent une guerre présente dans la vie des gens, comme cette scène dans le bus. Les infos à la radio parlent de la guerre puis enchaînent avec les résultats du football, sans aucune distinction.

Oui, j'aime bien parfois travailler avec des petits ready-made, que tu entends quelque chose et tu le reprends tel quel pour travailler avec. Et puis avec cette guerre contre le terrorisme, on a des informations totalement hallucinantes de cette paranoïa créée et puis après tu passes à des choses de totalement quotidien. Et cette juxtaposition d'éléments très hétéroclites m'a intéressée.

Vous travaillez beaucoup avec le plan-séquence, dans quel sens souhaitiez vous l'utiliser ?

J'ai décidé avec l'équipe de tourner en plan fixe et de respecter les gestes des personnages. C'est à dire de respecter à la fois l'humanité des personnages, leur donner un espace temps dans lequel ils peuvent exister, se déployer. Et autre chose, ce film je voulais le proposer mais pas l'imposer aux spectateurs. Je pense que c'est une expérience assez éprouvante, mais je voulais qu'à l'intérieur de ça, qu'il est une liberté comme dans la lecture d'un livre qu'on peut au bout de 10, 20 ou 50 pages refermer et penser à quelque chose. Puis continuer la lecture. Le spectateur a un temps de réflexion qui lui appartient et le film ne lui impose pas ce qu'il doit penser, voir, sentir.

La nature occupe une place importante dans ce film, elle semble être un témoin invisible de ces événements...

Ce qui m'a intéressé dans la nature c'est que d'habitude on projette nos sentiments sur la nature, c'est à dire le climat de la nature est un reflet de notre état d'âme. Alors que la nature est indifférente, elle continue sa vie. Et s'il y a une scène triste, la nature n'est pas obligé d'être triste, ce que d'habitude on fait dans les films. Voilà je voulais ce contraste entre une nature belle, riche et ensoleillé, alors qu'il se passe quelque chose de très sombre.

CANNES : TETRO - THIRST

2009-05-15T10:43:00.003-07:00

Hier soir, après deux heures d’attente (sous la pluie !), l’équipe d’Exèrieur Nuit a enfin pu assister à la dernière mouture du père Coppola, TETRO. Les américains de Cannes étaient au rendez-vous, tel Josh Safdie, (toujours aussi cool !) ou encore Moni Moshonov (Ben Kraditor, dans Two Lovers). Mais au bout du compte, que donne ce film en noir et blanc, tourné en Argentine, avec Vincent Gallo en vedette ? Ah la bonne question… C’est un film très auteuriste et décalé, intemporel aussi. On met un bon quart d’heure à situer l’époque du film. Il faut attendre qu’une voiture passe tout au fond d’un plan, pour savoir que le film se passe à notre époque. Le noir est blanc est très sophistiqué et nous plonge dans l’ambiance, tout comme le magnetisme de Gallo. Toujours est-il que le film se perd beaucoup dans son mélange des genres (on y passe de scènes se déroulant dans la vie, à d'autres au théâtre et du cinéma à la TV…). De plus, la fatigue cannoise commençant à pointer le bout de son nez, j’avoue m’être un peu (beaucoup ?) assoupie… A la fin du film, les critiques de mauvaise fois avaient beau clamer qu’il faudra attendre au moins 20 ans pour comprendre ce film, l’événement de cette Quinzaine des Réalisateurs est quand même une vraie déception !

Ce matin, après une nouvelle séance photo pour Technikart (thème du jour Bataille sur les rails), projection à 11h30 du film de Park-Chan Wook, en compétition officielle. Les membres du jury s’étaient levés à l’heure, Asia Argento et le désormais culte James Gray étaient placés juste derrière moi !

Après sa trilogie sur la vengeance (Old Boy), le réalisateur Coréen nous revient avec une variation sur le thème des vampires.

Alors que le teaser qui circule sur le net depuis quelques temps laissait présager un THIRST très premier degrés dans son approche des suceurs de sang, c'est en fait un film très second degrés. Avec une mise en scène assez tout-terrain, où l’on passe de séquences grandiloquentes à d’autres beaucoup plus poétiques. Et son homme d’église, devenue vampire après une expérience médicale, est un héros à la fois romantique, sarcastique et Erotique... Le résultat est assez déroutant !

On peut d’ores et déjà dire qu’il paraît improbable que le jury d’Isabelle Hupert récompense THIRST dans son palmarès, tant il est en décalage avec l’esprit des Palmes cannoises !

Par contre, je ne m'attarderai pas sur l'indie Humpday, film américain présenté à la Quinzaine. Cette comédie sur le sexe est insupportable, tant elle repose sur d'interminables dialogues sans saveur.... La réalisatrice Lynn Shelton donne la sensation de jouer les Woody Allen de seconde division ! A oublier !

CANNES 2009 : Que le spectacle commence !

2009-05-14T09:28:00.000-07:00

C'est parti, depuis hier et comme chaque année, Cannes est redevenu le nombril du monde !

Et toute la petite équipe de l'émission Extérieur Nuit se délocalise pour 10 jours !! Pas de projections hier, mais une séance photo improvisée pour Technikart, mené par notre vedette François. En effet, le magazine (l'édition du festival est quotidienne) lui a demandé de jouer les photographes pour les besoins d'un jeu, son principe : une photo par jour, représentant un film palmé sous forme de charade. Celui d'hier était Que le spectacle commence, comme vous pouvez le voir sur la photo Lucile et moi avons servi de modèle !

Aujourd'hui les choses sérieuses commencent, la première projection du Coppola étant plus que complète, direction la salle Debussy (Un certain Regard) pour un film iranien No one knows about persan cats, de Bahman Ghobadi. Rien de très glamour au premier abord... Et pourtant ! On peut y voir des jeunes gens vivant à Téhéran qui montent un groupe de musique underground dans la clandestinité ! C'est une idée très forte, que de filmer la jeunesse iranienne qui essaye de s'en sortir et qui ne s'apitoie pas sur son sort. Un film plein d'espoir donc. Mais même si le réalisateur met le doigt sur quelque chose de très fort, il en ressort une grande frustration.

Il faut attendre 1h30 pour entendre le bruit de la ville ! Comment faire un film sur l'underground sans aller chercher le pouls de la ville ?! On peut également reprocher la réalisation MTV. Si ces jeunes gens souhaitent vivre à l'occidentale, autant ne pas prendre tout de suite nos pires défauts !

Cet après-midi, place à la compét' officielle ! Un film anglais, Fish Tank d'Andrea Arnold, où il est une nouvelle fois question d'adolescence. Dans une ville paumée, Mia 15 ans, est délaissée par sa mère qui préfère s'occuper de son nouveau compagnon... Filmé à hauteur d'homme (ou plutôt de fille) caméra au point et plans séquences à l'appuie, Fish Tank est un film coup de poing ! Cette jeune fille vit sa vie comme un combat et l'interprétation de ses comédiens et magnifié par une image lumineuse ! Chaque plan est composé comme une vraie photo. Un film à prendre en compte !

La journée n'est pas encore finit, avec toute à l'heure une autre tentative d'accès au Coppola. La séance de 22h30 devrait être plus accessible !

Conversation avec Cécile De France et Guillaume Malandrin

2009-05-12T05:03:00.000-07:00

En plein milieu du Festival de Cannes sort un obscur film belge, Où est la main de l'homme sans tête, de Guillaume et Stéphane Malandrin. Quant à son histoire, autant s'accrocher, au risque de la perdre (la tête, pour ceux qui n'ont pas suivi).

Cécile De France joue Eva, une championne de plongeon, coachée par son père qui ne vit qu'au travers de ses exploits. Seulement Eva a un accident lors d'une compétition et tombe dans le coma. A son réveil... Les ennuis commencent ! Son frère a disparu, elle a des visions, un chat meurt dans un lit, un manchot la poursuit et son père devient de plus en plus agressif...

Les réalisateurs essayent d'instaurer un climat à la fois glauque et onirique, tout en flirtant avec le psychanalytique... Et je dois avouer avoir eu beaucoup de mal à les suivre dans leur ambition, car malgré toute la bonne volonté d'une Cécile De France investie, le film se perd dans des bavardages interminables et souffre d'une direction artistique maladroite (l'église-musé de Bruxelles, c'est à voir !). Au final, après 1h45 de quête d'homme sans tête, on arrive à ce constat, cruel mais hélas bien réel : tout ça pour ça ! Avec cette sensation de ne pas avoir tout compris, mais en étant incertain sur le fait qu'il y est autre chose à comprendre...

Mais pour ne pas rester sur un constat amer, j'ai rencontré Cécile de France et Guillaume Malandrin (Stéphane n'ayant pas trouvé d'avion pour rentrer de ses vacances marocaines, dixit son frère), afin qu'ils aient la possibilité de nous éclairer sur leur démarche.

C'était bien : Cécile, quelle a été votre première réaction à la lecture du scénario de ce film, à l'univers pas tout à fait comme les autres ?

Cécile De France : Je l'ai lu comme un bon bouquin, un bon thriller, avec en même temps ce drame familial et psychologique ainsi que cette part de fantastique aussi. J'ai découvert un scénario palpitant, stressant qui m'a vraiment tenu en haleine jusqu'à la dernière page. Et quand j'ai fermé cette dernière page, j'ai tout de suite appelé Guillaume Malandrin pour lui dire oui. C'était en 2001, donc il y a longtemps.

Le personnage d'Eva travaille en famille, dans un contexte assez tendu si on peut dire. Vous Guillaume, vous avez réalisé ce film avec votre frère, Stéphane, est-ce que vos relations sont moins compliqué chez vous ?

Guillaume Malandrin : Oui, nous on travaille en famille et... Ca se passe mieux, je rassure tout le monde, on n'a pas de problème avec nos parents. Par contre je pense que le sujet de la famille c'est un sujet inépuisable pour le cinéma et pour tous les genres. On a toujours été un petit obsédé par la question familiale dans nos films. Donc c'était naturellement notre sujet de prédilection pour ce thriller-fantastique, aux limites du film dramatique...

Quelles étaient vos intentions de départ sur ce film ?

GM : On avait différentes ambitions. Moi j'avais une ambition formelle, je voulais faire un film d'une extrême tension narrative où le spectateur était pris à la gorge et transporté dans une espèce de voyage à la fois onirique et de suspens. La maîtrise de la tension était un des projets du film. Après au niveau narratif, on avait des ambitions assez complexe à expliquer, car il y a différents niveau de lecture que cela soit d'un point de vu psychanalytique ou sur les rapports humains, par exemple sur l'amour des parents pour leurs enfants. Une des choses dont le film parle c'est "qu'est-ce que ça veut dire d'aimer", si à un moment donné l'amour que l'on a pour quelqu'un n'est pas destructeur. Car on a toujours l'impression que ce qu'on donne, c'est positif. Le père d'Eva, joué par Ulrich Tukur, c'est un ogre, qui aime et qui détruit, sans le vouloir.

Cécile, vous choisissez des rôles très différents. D'Isabelle de l'Auberge Espagnole à cette Eva, en passant par la Marion de Quand j'étais chanteur, ce sont des femmes très éloignées. Comment abordez-vous ces rôles ?

CDF : Je fais beaucoup confiance aux réalisateurs, là c'est un univers original et un peu à part, j'en ai pas lu beaucoup des scénarios comme ça. Ils savait vraiment ce qu'ils voulaient et c'est très agréable de se laisser guider, en étant au service de cet univers là. On a beaucoup discuté et répété avec les autres comédiens. Il y avait de la préparation, puisque le personnage est championne de plongeon, de haut niveau. Donc j'ai beaucoup observé Odile Arboles-Souchon qui est championne de France de plongeon. C'était très intéressant dans la gestuelle, la façon de se positionner au bord du vide, comment placer ses mains, regarder son coach... Donc il y avait tout une préparation physique intéressante, qui me permet d'appréhender et d'apprivoiser mon personnage.

Cécile disait tout à l'heure avoir reçu le scénario en 2001, pouvez vous nous raconter le parcours que vous avez du suivre pour monter ce film ?

GM : On a mis beaucoup de temps à le financer, d'abord parce qu'on a mis du temps à trouver un co-producteur en France. Parce que le film est déroutant, c'est un cinéma qui mélange les genres et qui prends aussi le risque d'aller dans une zone un peu interdite au cinéma qui est celle de l'incompréhensible. Les films sont aujourd'hui trop balisés, tout est bien raconté pour que tout le monde comprenne, même ceux qui n'ont pas vu le début du film... Alors que nous on a pris le risque de ne pas faire la différence entre les scènes au présent et au passé pour les scènes de flash-back, il n'y a pas d'effet visuel. Il n'y a pas de différences entre les rêves, les fantasmes et la réalité et même aller dans des zones où en fin de compte les choses n'ont pas nécessairement un sens défini. Et ça c'est difficile à financer, ce qui est normal aussi. Entre temps Cécile a fait d'autres films, moi aussi, personne ne s'est arrêté de vivre. Ca a mis du temps, on l'a fait au moment où on a pu réunir l'argent, notre disponibilité pour le faire ensemble...

CDF : ... Avec plaisir !

Le hasard du calendrier fait que vous sortez simultanément deux films belges (Soeur Sourire et Où est la main...). On parle de plus en plus de ce cinéma là en France. Peut-on parler d'un nouvel essor chez vous ?

GM : En France, vous voulez toujours mettre une étiquette, en disant "il y a un nouvel essor, un nouvelle vague, un renouveau belge..." Alors qu'en fait, il y a toujours eu des cinéastes qui travaillent dans le même pays, bon c'est tout petit la Belgique, c'est un département, c'est comme si on disait "la Creuse qui fait du cinéma" et en fin de compte ces gens ils ont tous leur univers particulier, leur identité propre. Ils se connaissent mais ils ne se marchent pas dessus. Chacun fait son chemin.

CDF : On a souvent besoin de la France pour arriver à monter les films, donc tous les films qui peuvent se réaliser, sont fait avec sincérité, c'est en accord avec leur désir, donc il y a quelque chose de fort et de sincère. Ce n'est pas gratuit quoi. Donc le point commun c'est le désir sincère et l'originalité, oui.

Et vous sentez sur les plateaux cette différence entre les tournages français et belges ?

CDF : Oui, car il n'y a pas de star-system, nous les acteurs un peu connu on n'est pas très protégé, c'est pas ça le plus important et c'est bien, car ça laisse place à la créativité.

GM : Il y a cette blague de Poelvoorde qui raconte la différence entre un tournage français et belge. Sur un tournage français, s'il y a une voiture qui gène le cadre, le premier assistant va le dire au deuxième assistant, qui le dira au troisième, qui lui même dira à la régie de bouger la voiture. Alors qu'en Belgique, s'il y a une voiture qui gène... Et bien on la déplace !

Où est la main de l'homme sans tête, un film de Guillaume et Stéphane Malandrin, sortie en salle le 20 mai 2009.

Conversation avec Joshua Safdie et Eleonore Hendricks

2009-05-03T07:09:00.000-07:00

Cet homme et cette femme sont les auteurs d'un véritable "papillon cinématographique", The pleasure of being robbed.

Une jeune femme se ballade dans les rues de New-York, badine et discute avec les gens. En toute simplicité. Elle les vole aussi, accessoirement. Mais ce n'est pas un vol intéressé, plutôt de la curiosité, l'envie de découvrir l'intimité de l'autre.

Filmé caméra à l'épaule, avec une volonté de cinéma vérité. Un incroyable vent de liberté souffle sur ce film. La caméra bouge beaucoup, perd le point et donne un côté très bordélique à l'ensemble. Mais c'est ce qui nous rend intime avec lui. Josh Safdie a une approche très touchante de cette histoire, il rend la caméra humaine, tellement humaine que l'on sent tout l'amour qu'il a pour son actrice, Eleonore Hendricks. Sa durée est courte, on peut s'y ennuyer, mais c'est un ennuie qui restera confortable, car ce film a de la grâce.

Rencontre parisienne avec ces deux jeunes gens, en compagnie de Gautier, fidèle acolyte de l'émission Extérieur Nuit. Ils arrivent en retard à notre rendez-vous, mais parviennent vite à nous le faire oublier grâce à leur bonne humeur communicative. Entretien réalisé dans le désordre général, mais dans la convivialité, à l'image de leur film.

Comment est né le personnage que joue Eleonore ?

Josh Safdie : je venais de rencontrer Eleonore...

Eleonore Hendricks : ... On travaillait ensemble...

JS : ... Sur un autre film.

EH : Je faisais des castings dans la rue pour des films.

JS : Quand elle travaillait dans la rue, elle était comme son personnage. Elle rencontrait des étrangers, les prenait en photo. Elle établissait des relations grâce à ces photos. L'idée est que ce personnage soit capable d'aborder des étrangers. C'est une voleuse, une très belle voleuse. Le soir quand ses "sujets" rentrent chez eux, ils peuvent dire à leur famille ou à leurs amis : "aujourd'hui quelqu'un m'a parlé dans la rue, elle a été agréable avec moi".

Son personnage vis au jour le jour, comme cet homme qu'elle croise dans la rue au début du film et qui dit à tout le monde "hello beautiful, good-morning handsome"... Ils vivent l'instant présent.

Dans les grandes villes, les gens marchent toujours d'un point A à un point B. Pour aller au travail, à l'école, faire du shopping... Contrairement à cette fille qui semble considérer la ville comme un immense terrain de jeu.

EH : Dans les villes on est constamment bombardé par des sensations. Alors si tu n'as pas d'objectif précis dans la journée, tu peux t'ouvrir aux choses que tu croises sur ton chemin, à l'aventure.

JS : C'est une belle anarchie. C'est tout et rien à la fois. Ce mode de vie peut te rendre heureux et malheureux en même temps. Si tu ne vas pas bien et que tu as juste envie de te distraire avec ce qui peut paraître insignifiant dans la vie, ça peut devenir beau ou triste.

Mais c'est intéressant cette idée de Point A / Point B. Chez cette fille, il n'y a pas de point, elle est juste un point X.

Quand on voit votre film et l'impression de liberté qui s'en dégage, on imagine une équipe technique très légère...

EH : Oh toute petite !

Comment vous organisiez vous ?

JS et EH en coeur et en nous désignant tous les quatre : Voici l'équipe ! Son - Caméra - Acteur !!

JS : Je crois en cette idée que moins tu as de moyens et plus tu deviens créatif ! On pourrait comparer notre manière de faire des films, à celle des graffitis. On cachait notre caméra 16 mm. devant le Métropolitan Opéra ou à l'intérieur du Zoo. On nous demandait 600 dollars pour tourner dans le zoo. On a dit : "Ok, c'est pas grave". Et on y est allé quand même, la caméra dans le sac et mon ami qui s'occupait du son faisait semblant d'écouter un Ipod.

EH : Tout le monde à ce moment là devenait un acteur, car on devait être sur nos garde et paraître anonyme.

JS : J'aime l'idée de pouvoir être libre. La caméra c'est comme ton oeil. Tu dois pouvoir bouger avec.

Et pourquoi alors ne pas avoir utilisé une caméra numérique ?

JS : Je me sers d'une petite caméra numérique pour observer dans la rue, prendre des notes. Mais pour les films, je pense qu'il est important de prendre des risques. Contrairement au numérique, où tu peux regarder ce que tu viens de filmer et dire "Allez, on va recommencer", la pellicule implique des risques, il y a de l'argent en jeu. Tu dois avoir une confiance totale en la situation, la pellicule c'est quelque chose de physique, que tu peux détruire en ouvrant le chargeur. Cette idée que tout peut disparaître en quelques secondes... Je trouve ça très beau.

En voyant votre film, on ne peut s'empêcher de penser à la Nouvelle Vague française. Quelles sont vos influences ?

JS : La Nouvelle Vague est une de mes grandes inspirations. L'idée qui se dégage derrière ce mouvement est la simplicité. Si tu regardes leur scénario, ils sont très basique. Ils croient en la réalité, à ce que ça amène. J'aime leur façon de travailler entre ami, de manière collective.

Pour mon film, la principale source d'inspiration a été Mouchette de Robert Bresson. La façon dont le personnage est constamment torturé par lui même et par ce qui l'entoure. Elle ne sait pas pourquoi elle agit, mais elle fait les choses.

L'autre influence pour moi, c'est Boudu de Jean Renoir. Il y a cette scène où Michel Simon, qui joue un vagabond, se promène sur un port et se jette à l'eau. La scène est filmé de très loin, on est en 1932, les gens ne savent pas que l'on tourne un film et ils ont couru pour aller le sauver !

Votre nouveau film, Go get some Rosemary fait partit de la sélection Cannoise, à la Quinzaine des Réalisateurs, pouvez-vous nous en dire plus à son sujet ?

JS : Oui bien sur. Je l'ai réalisé avec mon frère Bennie. C'est inspiré par beaucoup d'émotion que nous avons vécues ensemble, lorsque nous étions plus jeunes.

C'est à propos d'un père qui voit ses enfants tous les six mois pendant deux semaines, mais quand ces deux semaines arrivent, six mois se sont écoulés et ils l'ont oublié.

C'est un homme irresponsable qui regarde la vie comme une blague. C'est sa seule manière de communiquer avec les gens. Donc il est tout le temps entrain de rigoler, mais à force, cela en devient triste. Le film se déroule au moment où tout fou le camps dans sa vie.

Eleonore joue dans le film, Roney (Ronald Bronstein, réalisateur de Frownland ) est le père... Je dois avoir des images a vous montrer sur l'ordinateur...

Il bondit sur son ordinateur et c'est ainsi que l'entretien se termine, comme il avait commencé. En musique, en image et dans le désordre.

Les propos ont été recueillis et traduit par nos soins.

The Pleasure Of Being Robbed, un film de Joshua Safdie, en salle depuis le 29 avril 2009.

Didine, conversation avec Vincent Dietschy

2009-04-21T12:21:00.000-07:00

Séance de rattrapage. Il y a plus d'un an, sortait dans les salles Didine, le deuxième film de Vincent Dietschy. Didine, c'est Alexandrine Langlois, une célibataire endurcie, distante mais attachante qui se ballade dans un univers à la fois drôle et mélancolique, où l'on joue avec les tons, du plus grave au plus léger. Voici un film différent, où les trentenaires ne vivent pas forcément à Paris et où les jeunes gens fréquentent les foyers de l'âge d'or. Bref, quand la fantaisie côtoie l'ordinaire, voici Didine.

Rencontre avec son réalisateur, Vincent Dietschy, à l'occasion de la sortie en DVD de son film.

Votre film est sortit il y a plus d'un an, dans des conditions assez inconfortables (mal distribué et peu de promotion), comment l'expliquez vous ?

Je pense que le distributeur n’aimait pas le film, pour plusieurs raisons. Ils ont été un peu déçus par le mélange des tons dans le film, c'est-à-dire que ce n’est pas une franche comédie, sur le scénario ils ont acheté une comédie plus franche, voilà et je pense que le film a un côté un peu mélancolique.

Je pense aussi qu’ils ne savaient pas comment vendre le film. C’est pour ça que j’ai appelé le film Didine, qui n’est pas un titre que j’aime dans l’absolue, je le trouve un peu ingrat, mais au moins c’est un titre bizarre. Il a probablement écarté beaucoup de gens du film, car ce n’est pas très avenant, ce n’est pas très vendeur, mais en même temps il a une singularité. Et j’avais très peur que le film passe inaperçu. Lié à mes rapports avec le distributeur, à mes rapports avec le producteur à l’époque. J’avais vraiment le sentiment qu’on allait tirer la chasse le plus vite possible. Alors c’est pour ça que j’ai opté pour ce titre un peu ingrat, mais au moins un petit peu singulier. Qui ne ressemble pas à tous ces titres comme « je vais partir en vacance », « je suis triste que tu ne sois pas là », « par où t’es partit »… Il y a beaucoup de films que j’aime bien, mais ils ont des titres tellement commun, que ne me souvenant plus des titres, j’ai presque tendance à les oublier. Alors qu’en même temps Didine, cela ne ressemble même pas au film, car l’idée c’est un peu que cette fille se débarrasse de son surnom à la fin….

Le film bénéficiait pourtant d'un casting assez "vendeur". Il y a notamment la présence de Benjamin Biolay, pour la première fois à l'écran. Comment est-il arrivé sur le film ?

Il y avait pour lui l’opportunité de faire un film sans s’exposer, sans être trop au centre, ça l’arrangeait. Moi j’avais du mal à trouver un acteur, comme le rôle est écrit un petit peu entre les lignes, c’est un rôle d’une certaine manière assez discret. Il n'a pas beaucoup de texte, il n'a pas beaucoup de scènes dans le film et en même temps c’est un personnage important, donc c’était compliqué pour moi de trouver un acteur. Et puis à un moment donné j’ai réfléchi, est-ce que je prends un sportif ? Est-ce que je prends un chanteur ? Puis en discutant avec mon producteur, il m’a dit qu’il savait que Benjamin cherchait plus ou moins à faire du cinéma et moi j’avais un peu une réticence dans le sens où ma copine de l’époque l’adorait, le trouvait merveilleux, super charmant… Donc moi j’avais vu vaguement un bout de clip, avec un bout de musique, pour moi c’était le chanteur à minette type, qui m’intéressait vraiment pas quoi…J’avais mis ça dans un coin de ma tête et en fait j’étais au Virgin et à cette époque là, il sortait un disque en même temps que Sandrine Kiberlain. Il y avait un grand portrait de Benjamin et de Sandrine Kiberlain côte à côte et comme je pensais travailler avec Kiberlain, il y avait comme ça une évidence physique de ce qu’ils pouvaient faire un couple plausible. Donc ça m’a donné l’idée, l’envie de proposer le rôle à Benjamin…

Vous aviez d'ailleurs dit à propos de sa présence dans Didine, que vous aimez « les acteurs qui ne disparaissent pas totalement derrière leur rôle »….

C’est vrai que c’est quand même agréable d’avoir un acteur qui amène une ligne qui ne soit pas la ligne du personnage. C'est-à-dire que les acteurs caméléons, souvent je trouve ça très bien mais ça me semble moins riche, moins intéressant.

Vous préférez les acteurs qui sont un peu « borderline »…

Ouais, par exemple on peut prendre deux cas de figure, je pense au Van Gogh de Minelli, qui est interprété par Kirk Douglas et il y a celui de Pialat qui est interprété par Dutronc. Outre le fait que j’ai une préférence pour le film de Pialat, ce que je trouve intéressant chez Dutronc, c’est qu’on a à la fois Dutronc, on a Pialat dans Dutronc et dans Van Gogh et on a aussi un artiste. Donc on a quatre lignes qui coexistent, qui se mélangent, qui s’entremêlent et qui s’harmonisent aussi, c'est-à-dire qu’elles ont vraiment une unité. Alors que dans le cas du Minelli, il y a une sorte d’effort comme ça de, si ce n’est de disparaître, d’être le plus ressemblant possible quoi. Et il me semble pas que cette ressemblance soit un gain, ni au niveau du spectacle, ni au niveau de l’expression. C’est un exemple, mais après il y en a d’autre… Il y a même des acteurs comme ça qui sont très caméléon, même sans interpréter des personnages avec des références aussi nettes. C’est souvent des acteurs que je trouve très bon, mais qui ne me donne pas envie d’aller voir le film.

C'est vrai que Biolay apporte une certaine électricité dans le film...

Oui il est très simple dans son jeu et puis il a un truc assez contemporain, c'est ce que j'aime chez lui. Il n'en fait pas des tonnes.

Il y a aussi la présence de Géraldine Pailhas et Christopher Thompson, qui forment un couple à l’écran mais aussi dans la vie. Est-ce un choix ou un hasard ?

L’acteur qui devait jouer le rôle de Christopher a jeté l’éponge trois semaines avant le début du tournage. Donc je me suis retrouvé sans acteur et je suis reparti sur la liste et en réfléchissant je me suis dit, pareil, c’est un rôle qui est extrêmement entre les lignes, qui n’est pas en retrait mais, c’est plus les personnages de femme qui ont la dragée haute dans le film et… Enfin la dragée ça ne se dit pas, si vous retranscrivez, dites plutôt le haut du pavé ou… (Rires) Qu’est-ce qu’on pourrait dire ?!

Oui, ce sont les hommes qui sont plus dans la retenue...

Voilà, les hommes sont un peu plus derrière et donc en regardant ma liste, c’est un peu comme pour Benjamin, j’avais besoin d’un acteur, enfin plus d’un modèle, quelqu’un dont on puisse se souvenir et j’avais été voir Fauteuils d’orchestre avec mon amie de l’époque et sa petite sœur. Et je me souviens de la petite sœur elle avait été émerveillée par Christopher Thompson alors que moi je l’avais pas trop remarqué…

Il a cette particularité d'avoir les yeux très bleus et comme le scénario est construit sur une rencontre un tout petit peu électrique et très brève, j'avais envie de trouver un signe distinctif qui puisse le matérialiser, donc ces yeux bleus. En choisissant un acteur très connu cela aurait marché aussi. Mais en choisissant Géraldine, je n'avais pas la possibilité d’avoir un acteur très connu pour le rôle de son amoureux, parce que les acteurs sont comme ça, c'est-à-dire que les acteurs connus acceptent de jouer des seconds rôles lorsque ce sont des supers stars qui tiennent le premier rôle. Si c’est simplement un acteur connu, il faut vraiment qu’il soit plus connu qu’eux sinon ils n’acceptent pas d’avoir moins de jour de tournage. Ça fait parti des petites « joies » du métier et des petites complications…

Didine, un film de Vincent Dietschy, disponible en DVD depuis le 21 avril 2009.

Conversation avec Emmanuel Finkiel

2009-04-05T05:28:00.000-07:00

Dix ans après le César du meilleur premier film pour Voyages, Emmanuel Finkiel revient sur les écrans avec Nulle part terre promise. Un patchwork d'être humain qui sonne juste, où l'on voit des hommes et des femmes traverser l'Europe d'Est en Ouest ou d'Ouest en Est, pour différentes raisons. Si ce film parvient à nous toucher, c'est parce que tous les personnages sont filmés avec le même regard. Qu'ils soient des immigrés fuyant leur pays clandestinement ou un cadre devant mettre en oeuvre une délocalisation, ils sont a égalité. Ils ont tous un manque, une peine qui les empêche d'être heureux. Comment se préoccuper des misères du monde quand on est soi-même malheureux ? Telle est la question qui se pose en filigrane de ce film.

Après Voyages et le César qu'il vous a valu, vous êtes resté presque dix ans sans revenir au cinéma. Pour quelle raison ?

D'abord, ce n'est pas tout à fait vrai, mais dans le fond vous avez raison. Ce n'est pas tout à fait vrai car j'ai réalisé un téléfilm, un documentaire et puis après j'ai écrit, soit un lourd projet qui ne s'est jamais réalisé, soit en collaborant avec des amis sur leur propre film.

Mais de fait, qu'est-ce que je peux vous dire ? Oui, les choses de la vie. D'abord je n'avais pas très envie de tourner pour tourner. J'avais besoin de rencontrer un sujet qui me transporte. Et puis voilà, après j'ai fait ce que je n'ai pas eu le temps de faire avant. Car étant jeune, j'ai tout de suite commencé à travailler sur des plateaux de cinéma en tant que stagiaire ou assistant, je n'ai pas fréquenté la fac longtemps. Donc là j'ai pu lire, de la philo, tout seul dans mon coin. J'ai vécu, j'ai morflé. Comme tout le monde. J'ai perdu mon père et je me suis marié. Alors voilà, la plupart des réalisateurs font pleins de films dans leur vie, moi j'ai eu pleins de vie avant d'en faire un deuxième si je veux faire une formule.

Vous avez tourné ce film en numérique, avec une caméra HD. Un choix tourné vers l'avenir...

Cette caméra numérique a la particularité d'être extrêmement précise et performante. Donc qui vous permet de faire la fiction en vous dédouanant de ce que j'appelle "le cinéma dans le cinéma". Tout le matériel électrique, de machinerie et le personnel qui va avec.

Évidemment, ça dépend de l'écriture qu'on choisit. Il y en a qui nécessite une équipe lourde, moi j'ai pensé une écriture différente où l'idée était d'influer le moins possible sur la réalité que saisissait la caméra. Et pour ça je trouvais illogique que l'on soit plus nombreux derrière que devant la caméra.

J'avais besoin de camions pour mettre en scène la délocalisation. Ça aurait été un non sens d'avoir trois camions techniques derrière moi et pas le pognon pour m'offrir un seul camion que verraient les gens sur l'écran.

Vous ne craignez pas de vous faire des ennemis, en assumant le fait de vous passer d'un certain nombre de techniciens du cinéma ?

Une équipe, c'est fait pour aider un film. Tout le monde le dit et moi-même, lorsque j'étais assistant je le disais aussi. Mais à partir du moment où vous êtes dans une écriture, une équipe pourrait entraver le tournage. Vous savez, il y a des fois où j'ai lancé la caméra avant de faire la bulle, qui permet que la caméra soit droite. Car entre temps, s'il y avait une image à chopper il fallait qu'elle se fasse chopper. Il y a cette jolie phrase de Godard qui disait en vannant "si le cinéma français était présent le jour de la mort de Kennedy on aurait jamais eu d'images".

Il faut pouvoir donner l'impression en l'état que cela se déroule sur l'écran selon les mêmes règles physiques, spatio-temporelles que dans la vie. Moi c'est comme ça que l'émotion me vient quand je suis spectateur.

Vous disiez tout à l'heure avoir besoin d'être transporté par un sujet pour le filmer. Comment celui-ci est-il venu jusqu'à vous ?

Un petit peu par hasard. C'est à dire que d'abord on m'a proposé de faire un court-métrage dans un film à sketches, de réalisateurs européens. Donc j'ai commencé à écrire l'histoire de ces clandestins, un père et un fils, qui voyage dans un camion, puis à pied et qui inexorablement vont vers l'Ouest pour gagner l'Angleterre. Puis en travaillant là-dessus, je me suis dit qu'il aurait été intéressant d'élargir la chose, plutôt que de scénariser le parcours, choix qu'a fait Lioret pour Welcome, ou que l'on fait habituellement dans un cinéma moins... tordu ! J'ai voulu mettre en perspective deux autres trajets, qui, en tressant ces trois histoires révélaient une affreuse ironie historique.

On se rend compte assez vite que tous ces personnages que ce soit ce jeune cadre qui suit les machines qui délocalisent ou ces kurdes ou cette étudiante, ils ont tous comme point commun d'être enveloppé d'une grande solitude. Il y a juste des fois le regard qui les sauve, ils peuvent se voir, mais on se rend compte qu'ils peuvent pas, pour l'instant, grand chose les uns pour les autres.

De part le cadre commun de vos histoires et la proximité de la sortie de vos films, vous allez irrémédiablement être comparé au Welcome de Phillipe Lioret, l'avez-vous vu ?

Non je ne l'ai pas vu, car je me garde bien de tout jugement. Qu'on les compare bien évidemment, ça n'arrête pas ! Là mon film apparaît comme un autre film sur la clandestinité, ce que je n'ai pas vécu comme tel.

Il y a des fois où je me suis amusé un peu, car j'arrivais dans des salles de province, aspergés d'affiches de Welcome et je cherche la mienne avec mon briquet à côté des chiottes. Et souvent je repensais à mon grand père qui était dans le commerce des vêtements et quand il est arrivé à Paris pour la première fois, il était très impressionné par les Galeries Lafayette, alors il disait "si tu peux pas être les Galeries Lafayette met toi à côté" et il avait une autre blague qui était "tu te mets à côté des Galeries Lafayette et sur ta porte tu mets "entrée principale". Donc j'ai eu tendance, des fois, à la salle 12 où passait mon film, de mettre "Welcome- entrée principale".

Au-delà de ça finalement, c'est assez significatif que quelque soit la manière dont les gens font leur film, il y a une problématique qui porte de la réalité vers la fiction. On capte les choses qui nous proviennent, comme des éponges, et puis à un moment donné il y a une nécessité de faire le retour et de l'exprimer sous le prisme de ce qu'on ressent.

On peut trouver des liens entre Voyages et Nulle part terre promise, dans les thèmes de l'exode, de l'éloignement géographique, affectif...

C'est vrai qu'il y a un rapport entre l'exil physique et un exil plus existentiel. C'est à dire que finalement les personnages ont comme point commun d'avoir un même manque qui entrave leur façon d'être au présent. Puisque je me suis toujours entêté à ne filmer que des cellules de présent. Il y a cette solitude qui enveloppe les personnages du à un certain sentiment existentiel de délaissement, comme se sentir un peu en exil de soi-même. Comme dans "Nulle part..." ce cadre, on sent à un moment qu'il y a une distorsion entre le rôle qu'il joue dans la société et sa personne plus profonde, auquel on n'a pas accès car les gens sont des énigmes. Mais on sent quand même qu'il y a un conflit, disons, entre ce qu'il doit être et ce qu'il semble être. Vous voyez ce que je veux dire ?

Oui oui...

Bon ben c'est pas intello, c'est des constatations qu'on fait chaque jour quand on va chercher le pain à la boulangerie. Vous aussi. Sauf qu'on ne se le formule pas...

Vous faites parti des réalisateurs qui, avant de passer à l'acte, ont été assistant. Vous avez côtoyé des noms très prestigieux ( Godard, Tavernier, Kieslowski), qu'est-ce qu'ils vous ont appris ?

C'est pas évident de répondre à ça, car quand on est assistant on est dans le turbin, on a une tache très précise. Mais oui, ils m'ont appris énormément. Mais je dois dire aussi que j'ai appris aussi énormément auprès de réalisateurs plus modeste, voir de réalisateurs pas très bon.

J'ai beaucoup appris avec Godard, en travaillant sur un seul film, qui est vraiment un maître absolu.

Effectivement, j'avoue que sans doute ça a conditionné des choix de stratégies de fabrication. Ça a été un choc pour moi. J'ai aussi beaucoup travaillé avec Christian de Chalonge qui m'a apprit énormément... énormément.

Kieslowski ?

Oui Kieslowski, avec qui j'ai fait les "Trois couleurs". C'est une personnalité très forte qui vous nourrit d'un regard. C'est pour ça que c'est difficile après à raconter. Vous savez c'est ce genre d'apprentissage qui rentre en vous et ce n'est pas rentré théoriquement en vous par des mots, vous ne savez même pas. Vous avez des postures qui vous reviennent. J'ai encore très précisément des attitudes de son visage, des réactions face à telle ou telle situation sur le terrain et ce sont finalement quand on tourne... C'est ça la réalité d'un tournage, ce n'est pas ce qu'il y a après, qui est du domaine de l'analyse. Tous les mots qu'on dit là, à propos du film, n'existe pas pendant la fabrication. Le tournage c'est de la mécanique. C'est comme le langage de la farine, c'est différent du langage du gâteaux, si je puis dire. Il y a d'un côté la conception (la farine, les oeufs..) et de l'autre le truc fini.

Mais évidemment, c'est les merveilleux côtés de l'assistanat que d'avoir parfois le pot, d'être au contact de gens qui vraiment décollent du sol. Ça vous irradie.

Nulle part terre promise, un film de Emmanuel Finkiel, en salle depuis le 1er avril 2009.

Un chat un chat

2009-03-25T04:45:00.000-07:00

C'est une histoire de chat. Faux, d'écrivain en mal d'inspiration. Encore faux. Derrière ce titre volontairement "hors-piste", se trouve en fait l'histoire d'une rencontre entre deux personnages en décalage avec la vie. Est-ce suffisant pour en faire un film décalé ?

Oui, si on y ajoute le goût de Sophie Fillières pour les jeux de mot. Elle prend un malin plaisir à faire jouer ses acteurs avec notre langue, dans des situations souvent cocasses.

La très électrique Chiara Mastroianni est Celimène (ou Nathalie, ça dépend), une écrivain qui se "débiboche". Elle est poursuivie par une jeune étudiante voulant être le sujet de son prochain livre, interprétée par la très fraîche Agathe Bonitzer ("en pantalon t'es en jupe tellement t'es fraîche ! ", une perle).

C'est un vrai plaisir d'écouter ces chats - heu, pardon - ces dialogues, sans queue ni tête. Cet humour fin et tendre fait mouche, même s'il a parfois tendance à se parler à lui même, ce qui fait qu'à un certain moment, on ne l'écoute plus. Mais une fois ce piège passé, on replonge, le sourire aux lèvres.

"Un chat un chat", un film de Sophie Fillières, sortie le 25 mars 2009.

Conversation avec Nash Edgerton

2009-01-17T07:34:00.000-08:00

Il est le réalisateur de The Square, un polar-choral australien où une galerie de vie humaine va être brisée par le destin, lorsque Carla propose à son amant de s'enfuir avec une forte somme d'argent que son mari a obtenue de manière douteuse...

Après avoir été cascadeur sur des blockbusters hollywoodiens, mais aussi monteur et producteur, Nash Edgerton est retourné dans son Australie natale pour réaliser un court-métrage plébiscité dans une dizaine de festivals à travers le monde. C'est ainsi qu'il est passé au long-métrage avec The Square.
Rendez-vous à Paris avec ce jeune touche à tout de trente cinq ans, aux allures typiques de l'australien cool.

Cinemania : Comment est né le scénario de The Square ?
Nash Edgerton : Mon frère Joel a écrit l'histoire... Cet homme est un peu fou ! (Rires). En fait, il a vu un article dans le journal, un fait divers sur un cadavre retrouvé dans un chantier. Puis à partir d'autres articles, sur des drames, des meurtres, il a commencé à écrire le scénario. Mais on n'avait aucun détails sur les gens, comment est-ce qu'ils en étaient arrivés là...

Le scénario est construit sur une structure en toile d'araignée, comme les films d'Inarritu ou de Lelouch. Quelles sont vos influences ?
J'aime Fargo, Sang pour sang (des frères Cohen), Un plan simple (Sam Raimi). J'aime les films de Claude Lelouch, comme son court "Rendez vous". J'adore les films où il y a beaucoup de personnages, où les points de vue se croisent...

Vos personnages ne sont pas très clairs dans leurs motivations, ils sont toujours dans l'illégalité : ils sont adultères, puis ils volent de l'argent. Aimez vous ces personnages, malgré leur manque d'honneteté ?
Oui je les aime, mais j'aime les voir souffrir ! (Rires). Parfois les gens prennent les mauvaises décisions et je voulais un scénario qui soit toujours orienté vers le pire. C'est comme voir un cauchemard. Donc si vous passez une mauvaise journée, vous allez voir le film et vous verrez que votre journée n'est pas si terrible que ça ! (Rires).

Il y a-t-il quelque chose de personnel que vous auriez mis dans cette histoire ?
Je n'y ai rien mis d'intime, mais parfois dans la vie ça ne va pas comme on voudrait et on se sent perdu. J'aime l'idée du karma, tu fais des mauvaises choses et elles restent en toi. Quand j'étais enfant, je mentais à mes parents lorsque je faisais des bétises à l'école, mais les choses ne faisaient que de s'empirer ! Moi je n'ai tué personne, mais...
Si, dans les films !
Oui, exactement. (Rires).

Parlez moi de votre manière de filmer. La caméra flotte en permanence dans le film. Elle accompagne toujours le mouvement des personnages.
Oui, j'apprécie l'utilisation de la Steadycam. J'aime bien le sentiment d'être en mouvement avec les personnages, car tu as l'impression de vivre la même expérience qu'eux, de sentir leur tension, leur anxiété.
Comme dans un jeu vidéo ?
Oui, exactement. C'est le même genre d'expérience.

Votre film se veut-il optimiste ou pessimiste dans sa reproduction de la vie ?
Je suis généralement quelqu'un d'optimiste, mais sur ce film j'ai choisi de suivre le cheminement inverse. C'est sans doute parce que les choses allaient bien dans ma vie que cela devenait intéressant de voir comment je réagirais si les choses tournaient mal.... C'est comme la Loi de Murphy, quand les événements peuvent mal tourner ils vont forcément mal tourner ! Je voulais aller le plus loin possible dans ce sens, dans ce que le pire peut provoquer.

La question Jean Seberg. Quelle est votre plus grande ambition dans la vie ?
Oh, je pense que ma plus grande ambition est sans doute de construire une famille. Mais aussi de faire des films, plus de films. Peut être même plus ambitieux, ailleurs qu'en Australie. Pour cela, je dois rester créatif et travailler mes idées...
Et partir très loin avec la femme et l'argent du voisin ?
Euh... Oui, cela serait très différent ! (Rires).
Ce n'est pas vraiment la même vie !
Et il n'y aurait pas de happy-end ! (Rires).

The Square contient des idées scénaristiques brillantes sur le poids des actes et l'engrenage qu'ils provoquent. Malheureusement, même si le réalisateur a placé les sentiments comme la base de son film, il n'est pas aidé pas les acteurs qui n'arrivent pas à nous faire s'identifier à eux. En effet, le personnage central est froid et distant avec les événements, toujours les dents serrées. De plus, sa jeune maîtresse aux allures de bimbo n'assure pas une grande crédibilité à leur histoire d'amour. Alors même si les personnages s'enferment dans des situations de non retour qui deviennent de plus en plus douloureuses, on n'a pas forcément envie qu'ils s'en sortent. Dommage.

Propos recueillis et traduit par mes soins.
"The Square", un film de Nash Edgerton, sortie le 21 janvier 2009.

Un homme et son chien

2009-01-11T08:05:00.000-08:00

Alors ça y est. Bébél, le héros préféré des français remonte sur le ring. Pour un ultime défi. En parlant de ce film, difficile de ne pas évoquer les épreuves contre lesquelles il a dû se battre. On préférerait se concentrer sur le cinéma, mais ici, la frontière est trop étroite. Chacune de ses rides est un pan de l'histoire du cinéma, de notre mémoire collective.

Autant l'avouer, le film n'est pas franchement une réussite. Francis Huster réalisateur en fait des tonnes et barbouille sa copie d'une musique trop envahissante. A mille lieux du jeu de Belmondo, tout dans la retenue, la dignité, le partage, le bonheur de jouer. Ou même le courage devrait-on dire. Massimo Ranieri parlait du courage d'aimer dans "Le Genre Humain", il est ici question du courage de vivre. Et si ses cascades sont aujourd'hui moins spectaculaires, on est toujours admiratif de le voir se battre ainsi.

"Un homme et son chien" n'est peut être pas un grand film, mais c'est indéniablement un grand moment de cinéma. Belmondo est entouré d'une pléiade de grands acteurs, heureux de faire un tour de piste avec la légende. Et ils nous offrent en retour de vrais moments de grâce. Certaines scénes sont déchirantes, comme lorsque Hafsia Herzi se fait le porte voix de tous les français en lui disant : "vous allez nous manquer".

Ce n'est pas un héros à bout de souffle que vous verrez, mais un magnifique singe en hiver, toujours professionnel.

"Un homme et son chien", un film de Francis Huster, sortie le 14 janvier 2009.

TOP 10 2008

2008-12-29T08:26:00.000-08:00

Un an de cinéma vient de s'écouler et il est grand temps d'en faire le bilan !

1. Le Premier Jour du Reste de ta Vie, Rémi Bezançon.
Généreux, réaliste, inventif, enthousismant... Impossible de choisir un seul adjectif pour qualifier ce film, qui a été le véritable buzz de l'année 2008. 1.200.000 spectateurs se sont reconnus dans la famille Duval. Un succès que l'on doit au formidable bouche à oreille. Un phénomène.

2. Two Lovers, James Gray.
Le grand film de cette fin d'année. Une histoire d'amour toute simple, portée à des sommets grâce au génie de James Gray et Joaquin Phenix. La Très Grande Classe.

3. La belle personne, Christophe Honoré.
Cette adaptation moderne de "La princesse de Clèves" clôt le podium. Situé dans la cour d'un lycée parisien, ce film est à mille lieux du réalisme brutal d'Entre les murs. Intemporel et délicieusement cruel, c'est un vrai "plaisir démodé".

4. J'ai toujours rêvé d'être un gangster, Samuel Benchetrit.
Ce film a déjà été longuement défendu sur ce blog, mais les retardataires doivent savoir que les Gangsters de Benchetrit sont de formidables machines à remonter le temps ! Nostalgique.

5. Hunger, Steve McQueen.
Le choc de l'année. La radicalité du projet, avec sa réalisation sensorielle et la performance physique de l'acteur, fait que personne n'en sort indemne. Une vraie claque !

6. Soyez Simpas Rembobinez, Michel Gondry.
Derrière la comédie gentiment délurée se cache un vrai manifeste pour le cinéma amateur. Culte.

7. Nouvelle Donne, Joachim Trier.
Cette année, la bouffée d'air frais a débarqué de Norvége. Un film fiévreux, enlevé et générationnel. Une pépite.

8. A Bord du Darjeeling Limited, Wes Anderson.
Le clan Coppola nous offre un film mélancolique et dépaysant sur le théme de la famille. Avec Le Style.

9. Didine, Vincent Dietschy.
La comédie romantique de l'année... Même si elle est passée inaperçue ! Ni prétencieuse, ni parisienne, cette amusante bluette a le mérite d'ouvrir le dialogue entre les différentes générations.

A découvrir.

10. Gommorra, Mateo Garrone.
La vraie vie de la mafia italienne. Ou comment démystifier en deux heures la figure du ganster. Dense et réaliste, ce film nous entraîne dans le quotidien cauchemardesque de ces hommes qui vivent la mort suspendue sur leurs épaules. Intense.

Stella

2008-10-20T08:51:00.000-07:00

C'est le choc des cultures. Celle des années 1970, qui se confronte à la nôtre. Mais aussi celle d'une petite fille élevée dans un café populaire, qui se retrouve dans un collège huppé. Ses parents servent des jaunes à des habitués, qui s'accoudent au jukebox pour entendre la menthe à l'eau.

Ce film a été fait avec peu de moyen, alors on a reconstitué une France de Giscard en intérieur. Les vinyls trainent partout, on s'enfume, on voit Thierry Neuvic se prendre pour Eddy Mitchell, Biolay laisse échapper son couple pendant un match des Verts, Guillaume Depardieu en vieille canaille des comptoirs propose un flip' à Stella... Voici comment Sylvie Verheyde nous (re)plonge dans cette époque.

Stella ne rentrera pas ce soir et découvre la famille de sa nouvelle copine. On n'y parle pas de Rocheteau, mais de Cocteau. Leur préoccupation n'est pas l'alcoolisme, mais le socialisme. Quand elle retourne au café, elle retrouve ses parents largués, qui la laissent seule face à ses problèmes. Alors elle va devoir se battre, au propre comme au figuré, afin de s'imposer, à l'école comme à la maison.

Sylvie Verheyde n'est pas rancunière, car Stella, c'est son histoire. Et en racontant cette jeunesse douloureuse avec une douce mélancolie, elle signe une belle histoire d'enfance, dans cette Histoire de France.

Gladys, l'amie de Stella, pense que cette famille est "très romanesque et très française"... Il paraît que la vérité sort de la bouche des enfants, alors voici qui résume bien le film !

"Stella", un film de Sylvie Verheyde, sortie le 12 novembre 2008.

Vicky Cristina Barcelona

2008-09-27T04:45:00.000-07:00

A l'heure où les vendanges s'achèvent et en attendant l'arrivée du Beaujolais Nouveau, voilà que débarque la cuvée 2008 de notre américain préféré, Woody Allen.

Et cette année, il a décidé de laisser mûrir ses idées sous le soleil de Barcelone ! Deux américaines, Vicky et Cristina (Rebecca Hall et Scarlett Johansson), une brune et une blonde, passsent leur été en Espagne. L'une est une fille sage sur le point de se marier, l'autre plus délurée, souffre d'une rupture amoureuse récente (accompagnée d'une crise artistique, of course) ! Elles croisent la route du torride Juan Antonio, interprété par le charismatique Javier Bardem, et c'est alors que débute un triangle amoureux de haute volée !

Scarlett Johansson est très à son aise pour ce qui est sa troisième collaboration avec le réalisateur New-Yorkais et joue très malignement de sa plastique : "Mais je ne fais que boire du vin" rétorque-t-elle à Vicky lorsque celle-ci lui reproche d'être trop aguicheuse dans un bar à tapas !

Rebecca Hall fait elle dans la douceur et Allen sculpte son visage délicat avec les lumières chaudes de Barcelone. A soixante-treize ans, il réalise son film le plus caliente (même si cela reste soft) avec des scènes de grande tension où le spectateur est suspendu au drap qui recouvre le corps de la belle Scarlett, alors que l'enjeu dramatique se trouve dans la conversation téléphonique qui a lieu juste à côté !

Tout va bien (ou presque) pour ce trio lorsque débarque une tornade nommée Penelope Cruz et là c'est le bouquet final : trois actrices exceptionnelles au service d'un scénario délicieux et un Woody qui retrouve la vigueur de ses vingts ans !

Vous l'aurez compris, le nouveau Woody Allen est un grand cru qui se déguste sans modération !

"Vicky Cristina Barcelona", un film de Woody Allen, sortie le 8 octobre 2008.

Premières Neiges

2008-09-18T08:09:00.001-07:00

Cette fois, c'est la rentrée pour de bon. Les salles de projection se re-remplissent, on est à nouveau assiégé de mails par le redac' chef et on va voir des films bosniaques bien sérieux.

Oui, mais pas n'importe lesquels, car "Premières Neiges" a reçu le Grand Prix de la Semaine de la Critique à Cannes. Un joli coup de pouce pour ce premier long-métrage au sujet pas forcément évident au premier abord. A savoir le destin d'un groupe de femmes, seules survivantes d'un petit village dévasté lors du conflit bosniaque, en 1997.

Un film où dès le premier plan, tout est dit. Le malaise, le décalage entre l'insouciance des enfants et la souffrance des adultes, aux blessures mal refermé. Pourtant elles essayent, ces femmes. Certaines travaillent dur pour reconstruire ce qui a été détruit, d'autres préfèrent rêver à des jours meilleurs. Elles essayent de faire vivre ce village, de redonner le sourire aux enfants ; un peu de musique, quelques jeux, en attendant, en espérant.

L'espoir, moteur de ce film. Celui de la réalisatrice, Aïda Begic, qui croit en ces gens, qui les protège de la douleur en les filmant avec tendresse, paisiblement.

Que de tristesse me direz vous ? Il y a pourtant quelque chose de gai qui ressort de ce film. Car elle met de la couleur dans ce quotidien qu'elle filme de manière sensorielle, presque sensuelle. On sent la caresse du vent qui soulève le voile d'Alma, le personnage principal. On respire l'odeur du "besti" ou du "hajvar", les confitures que ces femmes fabriquent et qu'elles échangent contre quelques cigarettes ou un peu de maquillage, en attendant mieux.

Très vite, j'ai eu envie de comparer Aïda Begic à Sofia Coppola, une comparaison improbable me direz vous ? Pourtant ces femmes qui doutent ressemblent aux héroïnes de l'icône branchée du cinéma, perdues dans leur environnement, leur époque. Elles n'ont pas eu a affronter les mêmes horreurs me répondrez vous.

Certainement, mais ces deux femmes ont toutes les deux de la grâce dans le regard.

"Premières Neiges", un film d'Aïda Begic, sortie le 8 octobre 2008.

la possibilité d'un film ?

2008-09-03T03:32:00.000-07:00

Sortez les tambours et les trompettes ! L'événement de la rentrée est parmis nous : Michel Houellebecq fait du cinéma ! Il a en effet décidé de porter lui même à l'écran son roman "la possibilité d'une île"... J'entends déjà l'inquiétude des uns et l'impatience des autres : comment est Magimel ? qu'est-ce que cela donne visuellement ?? Ressent-on la patte Houellebecq ???

Vous l'aurez compris, je suis plutôt fan de l'écrivain et c'est donc avec beaucoup d'excitation que j'attendais cette adaptation.... Ce qui n'a fait qu'augmenter ma déception !

Car autant être franc : non, le film n'est pas à la hauteur des espérances qu'il pouvait succiter. Il n'apporte rien au livre (au contraire) et réduit considérablement sa portée. Surtout la partie sociologique (l'étude des relations humaines, de leur frustration, leur déchéance...), qui est quand même centrale dans son oeuvre, n'est ici que très peu abordée.

Il préfère concentrer son récit sur l'errance solitaire et poétique du clone de Daniel, à la recherche de ses semblables. Alors on voit Benoit Magimel (qui décidement m'épate par ses choix de film !) marcher dans le désert accompagné de son chien, avec de temps en temps une voix-off explicative et une musique grandiloquente... Vous me direz, pour faire ça était-ce vraiment la peine de réaliser un film ?

Et en effet, plus le film avance et plus on se pose la question. Car une fois passée les premières minutes d'admiration enfantine ("wouah tu te rends compte, c'est Houellebecq qui filme !"), on se dit que cette adaptation est plus un gadget qu'autre chose.

Un gadget qui permet toutefois aux fans de l'écrivain d'aller à sa rencontre, à ceux qui le déteste d'aiguiser leur couteau et au principal intéressé d'ajouter la mention réalisateur à sa carte de visite...

Mouais, j'aurai préféré un livre.

"La possibilité d'une île", de Michel Houellebecq, sortie le 10 septembre 2008.

on a tous quelque chose en nous de cette famille

2008-06-25T04:46:00.000-07:00

La bulle de fraicheur de l'été est là. Enfin, le 23 juillet plus exactement, jour de sortie en salle du "Premier jour du reste de ta vie", second film de Rémi Bezançon. Deux ans après "Ma vie en l'air", passé (quasiment et injustement) inaperçu et qui s'intéressait aux pérégrinations des trentenaires.

Cette fois-ci, il se penche sur la vie d'une famille pendant plusieurs années (de 1988 à 2000)...

Marie-Jeanne et Robert Duval (Zabou Breitman et Jacques Gamblin) ont trois enfants : Albert, Raphaël et Fleur. Nous allons suivre cinq journées particulières dans leur vie qui vont changer leur destin.

On retrouve l'univers pétillant et coloré du jeune réalisateur, entre magie et réalité, où se croisent le monde de l'enfance et celui de l'âge adulte.

Il parvient à donner vie à cette famille, qui est à la fois unique et semblable à toutes les autres, comme les histoires de ses films, qui peuvent arriver à n'importe qui, mais qui gardent une part de rêve. On est au cinéma et ça il ne l'oublie jamais.

Rémi Bezançon est un auteur, ses films portent son empreinte et ils ont une véritable personnalitée. Mais ils sont aussi fédérateur et populaire, au sens le plus noble du terme.

L'alchimie réussi de ce film tient finalement à peu de choses, mais également à beaucoup. C'est en réalité la combinaison de pleins de petits détails qui font que la mayonnaise prend : le choix des couleurs et de la musique, la justesse de l'interprétation, ainsi que la malice de la mise en scène...

C'est un film généreux en émotion, dans lequel chacun se reconnaîtra.

On rit aux larmes, on pleure aux éclats et pour reprendre les dialogues du film, c'est le plus beau spectacle auquel j'ai assisté de toute l'année !

"Le premier jour du reste de ta vie", de Rémi Bezançon, en salle le 23 juillet 2008.

L'amour en Suède

2008-06-04T08:15:00.000-07:00

Premier film réalisé par Roy Andersson, il y a presque quarante ans, "A Swedish Love Story" sort pour la première fois sur les écrans français.

Nous sommes en 1969, dans la campagne suédoise. C'est l'été, les filles portent des juppes et les garçons la cravate. Ils ont la chevelure blonde et les yeux bleus qui brillent à la lumière blanche du soleil. Puis la lumière passe au rouge, lorsque les vinyles crépitent dans un garage, à l'heure de la boum. Ils sont jeunes, ils sont imberbes, mais elles se maquillent, comme des femmes et ils fument, comme des hommes.

La caméra s'attarde sur les jambes des jeunes filles, tout comme le regard de Pär. Il n'est pas question ici du genou de Claire, mais de celui de la belle Annica (jouée par Ann-Sofie Kylin); au visage si bouleversant de pureté et d'expressivité, que tous les bonheurs et tous les malheurs du monde semblent s'y trouver.

Car dans ce film au silence de cathédrale (les acteurs y chuchotent), où les seuls passages bruyants sont dûs aux moteurs diesels, des breaks Volvo et aux adultes qui expriment leurs douleurs, l'histoire d'amour de ces deux adolescents est une bulle qui les protègent du mal-être extérieur. En effet, chez les adultes l'humeur n'est pas à douceur. Certains ont des problèmes d'argent, d'autres de solitudes, mais tous sont mélancoliques.

La musique, elle, rajoute de l'universalité à cette histoire suédoise, entre grâce et gravité.

Elle pleure, un chewing-gum à la bouche, son make-up coule et l'attend comme si sa vie en dépendait. Il arrive, chevauchant sa moto, avec son cuir et sa fureur de vivre.

C'est beau, c'est délicat, c'est suédois.

"A Sweedish Love Story", de Roy Andersson, sortie le 4 juin 2008.

Kusturica par Maradona?

2008-05-28T01:53:00.000-07:00

Présenté à Cannes la semaine dernière, ce documentaire qui a mis le feu au Palais du Festival (en raison de la présence de Dieu en personne) devrait en décevoir plus d'un. Car ce n'est pas un documentaire, mais plutôt un film de vacance. Kusturica est présent du début à la fin et n'hésite pas à se mettre en avant.

Tout d'abord, le film est introduit par une citation de Rimbaud ("Dieu est le seul être qui, pour régner, n'ait même pas besoin d'apparaître"), puis la première image qui surgit est celle de Kusturica, lui même, entrain de jouer de la guitare. Et c'est comme ça pendant tout le film : Kusturica et Maradona qui jouent au foot ensembles, Kusturica et Maradona qui boivent des bières ensembles, Kusturica qui présente sa famille à Maradona, Kusturica qui fait visiter sa ville à Maradona... Bref vous l'aurez compris le réalisateur Serbe se fait plaisir et tourne un film pour frimer devant ses potes ("regardez c'est moi à côté de Maradona!"). Il pousse même le vice jusqu'à incruster des extraits de ses films, pour comparer ses personnages à Maradona, pas moins.

De plus, la constuction du documentaire est maladroite avec une reconstitution en 3D du fameux but marqué contre les anglais, en 1986, qui n'est pas du meilleur goût.

Que garder de ce documentaire qui n'apporte rien de nouveau sous le soleil de Dieu ? Peut-être cette scène particulièrement émouvante où Maradona chante un air composé en son honneur, entouré des siens et où l'on voit défiler des images d'archives (personnelles ou publiques) qui retracent sa vie avec ses joies et ses drames.

Est-ce suffisant pour investir dans une place de ciné? Il vaut sans doute mieux sortir de ses cartons une compilation de ses buts, que l'on a enregistré sur VHS.

"Maradona par Kusturica", de Emir Kusturica, sortie le 28 Mai 2008.

7 jours à cannes

2008-05-26T08:57:00.000-07:00

Ca y est, c'est terminé! Hier s'est achevé le 61e festival de Cannes avec la cérémonie de cloture et la remise des récompenses. La France est à l'honneur de ce palmares avec notamment la palme d'or qui est revenue, à la surprise générale, au film de Laurent Cantet "Entre les murs".

J'ai vécu le festival de Cannes pour la première fois et ce pendant septs jours, du 14 au 21 Mai. Septs jours d'intense émotion, de magie et de frustrations, de pluie et de beau temps. Bref, une semaine en immersion totale dans le petit monde du cinéma.

Le festival, ne débute pas sur la Croisette, mais dans le train. Cinq heures de trajet, pour se mettre dans l'ambiance. Car en ce mercredi 14 Mai, un seul sujet de conversation était admis dans le TGV Paris-Cannes : le cinéma. Il suffisait de se rendre au wagon-bar pour s'en rendre compte. Dans la file d'attente un journaliste d'Europe1 prenait rendez-vous pour une interview devant moi, alors que derrière se trouvait une brésilienne qui a produit le film surprenant qui fera l'ouverture du festival, "Blindness".

Ce qui frappe le plus, une fois arrivé à Cannes c'est de voir le nombre de nationalités représentées parmi les journalistes. Mais cela ne fait rien si tout le monde ne parle pas la même langue, car sur toutes les lèvres il n'y a qu'un seul sujet : le cinéma, toujours le cinéma! Et il en sera ainsi pendant toute la durée du festival ou la croisette vie quasiment en autarcie. Car si tous les regards sont tournés vers elle, ce qui se passent ailleurs n'a plus guère d'importance. Comme le dirait François Truffaut, "le cinéma régne".

Pendant une semaine, j'ai pu assisté à une quinzaine de projections et à de grands moments de cinéma. Très tôt d'ailleurs, car dès jeudi, le film choc de la sélection était projeté: "Hunger" de Steve McQuenn (caméra d'or). Un film traitant, sans concession, de la détention des membres de l'IRA en Irlande du Nord, dans des conditions abominables. Un premier film d'une radicalité impressionnante, dans la mise en scène de la violence physique et psychologique.

Il y a eu d'autres grands moment, comme l'hommage rendu au cinéaste centenaire Manuel de Oliveira, en présence de Michel Piccoli, Sean Penn et Clint Eastwood. Ou la présentation du nouveau film de Marco Tullio Giordana, "Une histoire italienne", qui signe une nouvelle fois une oeuvre au souffle historique et intime. Toute l'équipe était présente et a eu droit à une standing ovation enflammée (voir la photo)! Au regard de l'affluence devant les marches de la salle Debussy, on peut dire que le public attendait ce film, il fallait en effet compter plus de deux heures et demi d'attente pour les "pass-cinéphile". La présence de Monica Bellucci dans l'assemblée devait y être pour quelque chose...

Le Festival de Cannes c'est aussi l'occasion de croiser les gens qui nous font rêver. C'est voir Michel Gondry courrir comme un personnage de cartoon jusqu'à son taxi . C'est danser sur la même piste que Lambert Wilson, c'est regarder un film assis à quelques mètres de Maradona, c'est interviewer Emmanuel Mouret tout en devinant la silhouette de Nathalie Baye à quelques mètres de là. C'est surprendre Woody Allen émerveillé par l'affiche qui annonce le retour de Jean Paul Belmondo au cinéma. C'est avoir la chance de féliciter la délicieuse Martina Glusman ("Leonera") ou de débattre avec James Toback sur le remake que Jacques Audiard a fait de son "fingers".

Je pourrai également citer Jean Paul Rouve, Claude Lelouch, Denis Hopper, Adrian Brody, Jean Pierre Daroussin ou encore Melvil Poupaud.

Mais je préfère m'attarder sur une petite anecdote très révélatrice de l'esprit cannois. Vendredi 16 Mai était présenté "Tyson" dans la sélection "Un certain regard". Après sa projection deux personnes s'attardent en bas des marches, il s'agit des réalisateurs Fatih Akin et James Toback. En pleine discussion, ils voient s'avancer vers eux une bande de jeunes gens qui jouent aux stars en bas des marches. Et ils se prennent en photo, ignorant que les deux personnes situées au second plan de leur clichés sont deux grands maîtres du septième art!

Voici donc quelques instants de cette semaine au coeur de la capitale du cinéma. A tel point que lors de mon retour à Paris jeudi matin, les rues me semblaient désertes et silencieuses, d'un calme provincial... La foule, les caméras et l'effusion avaient disparu.

Si le festival est ennivrant, le retour à la vie normale est quant à lui, très brutal.

Agnus dei

2008-05-07T01:41:00.000-07:00

Derrière ce titre énigmatique se cache un film argentin de la réalisatrice Lucia Cedron, dans lequel la petite et la grande Histoire sont étroitement liées. Le film effectue des allers retours constants entre deux périodes mouvementées de l'Histoire argentine. De 1978 à 2002, nous voyons le point de vu de deux femmes sur ces périodes, la mère et la fille. Cette dernière n'a quasiment pas connue son père, assasiné en 1978 et voit vingts-quatre ans plus tard son grand-père être enlevé.

Au début, cette narration a quatre niveaux est perturbante (on se demande souvent qui est qui), mais progressivement ce qui était génant devient la force du film, son moteur. Cela nous permet d'avoir des regards, des souvenirs très différents sur les mêmes événements. Car Guillerma, la fille, est très jeune en 1978 et donc dépassée par les événements.

C'est un film qui demande des efforts, il faut se l'approprier. Mais ces efforts ne seront pas vain. La récompense interviendra, avec une fin ou l'émotion règne sur le film et chez le spectateur.

Certains reprocheront au film d'être trop convenu, mais le fait qu'il soit porté par deux actrices, lui apporte justement cette tendresse et cette sensibilité qui font son caractère.

"Agnus dei", de Lucia Celdron, sortie le 7 mai 2008.

"Je m'présente, je m'appelle Spaggieri..."

2008-04-16T08:03:00.000-07:00

Les années 1970 sont décidément à la mode. Ceux qui les ont vécu, les regrettent et les autres auraient bien aimé y vivre. En tout cas, les gangsters de l'époque fascinent. Après "le dernier gang", "les liens du sang", voici l'adaptation de l' "oeuvre" d'Albert Spaggiari.

Car Spaggiari n'est pas un gangster comme un autre, il n'y a pas que l'argent qui l'interesse. Non, lui veut être une vedette, être adulé par son public et faire la couverture de Paris Match.

C'est plutôt réussi, car 19 ans après sa mort, l'acteur Jean Paul Rouve passe à la réalisation pour raconter ses aventures.

Spaggiari est en quelques sortes l'ancêtre de Jerome Kerviel. Tous les deux volent pour se faire remarquer, pour échapper à leur vie qu'ils jugent trop banale pour eux.

L'ancien robin des bois incarne également ce gangster haut en couleur, avec panache. Il en fait un personnage plein de contradictions. A la fois odieux et généreux, classe et ridicule, raciste et sympathique.

Il est entouré du toujours très bon Gilles Lellouche (à quand en tête d'affiche??) et d'Alice Taglioni, qui use de sa plastique pour ce rôle de belle plante.

Comme le dit le titre, il n'y a ni arme, ni violence dans ce film. Alors ne vous attendez pas à des courses poursuites sanglantes, il n'y en a pas. Ici, c'est plus la personnalité extravagante de Spaggiari qui est mis en lumière. Ca tombe bien, pour celui qui révait d'être sous les projecteurs, de faire des tubes et que ça tourne bien.

Rouve réussi correctement ses débuts en tant que réalisateur, il faut dire qu'il était bien entouré (Christophe Offenstein en directeur de photographie). Le ton est léger et le rythme fluide, malgré quelques temps morts. Dans la vague des films 70's, "sans arme..." est sans doute le moins abouti, très loin derrière les superbes "liens du sang".

Et au final, ce premier film, se révéle être un bon diverstissement, agréable à regarder. Ni plus, ni moins.

"Sans arme, ni haine, ni violence", de Jean Paul Rouve, au cinéma depuis le 16 avril 2008.

l'auberge espagnole

2008-04-15T16:02:00.000-07:00

Jean Pierre Pernaut qui réalise un film d'horreur? Vous en aviez rêvé? Ils l'ont fait.

Bon d'accord, j'exagère un peu. Pourtant cette impression m'est apparue à de nombreuses reprises pendant le film.

Déjà, commençons par le commencement? Qu'est-ce que REC? Un film d'horreur espagnol (encore un?), qui bénéficie d'un buzz énorme sur internet, grâce à un teaser efficace (sur le même principe que celui d' "il y a longtemps que je t'aime", oui vous avez bien lu) et à sa présence remarqué dans plusieurs festivals.

Film post-"blair witch project", REC utilise le même principe de la caméra embarquée. Ici c'est une reporter qui film une équipe de pompier de nuit. L'alarme sonne, on court, tout le monde grimpe dans le camion rouge. Et ça dérape, forcément.

Le film se déroule entièrement dans un immeuble au coeur de Barcelone, évidemment l'ambiance est moin conviviale que chez Klapish. Ils sont coincés, ça re-court dans tous les sens, la caméra aussi. C'est bien, ça fait réel. Mais le probléme c'est que le film comporte de nombreuses longueurs, ou il ne se passe pas grand chose (la journaliste qui questionne tous les habitants de l'immeuble: "-alors, votre réaction? -Euh, j'ai envi de dormir, laissez moi rentrer."). Mais ce n'était pas déja le même problème avec "clooverfield"? Si.

Bon, je vous concède que certains passages sont vraiment flippant, surtout le dernier quart d'heure, ou la goutte de sueur est garantie.

Mais au final, ce film d'inspiration "télé réalité" n'apporte rien de nouveau au genre et ne fait que reprendre ce qui a fait le succès du "projet blair witch" et de "28 jours plus tard".

Même si REC reste un film d'horreur honnête, plutôt efficace et qui, de plus, permettra à certains de réviser leur espagnol; il n'est pas le petit bijou annoncé... Dommage.

"REC", de Paco Plaza et Jaume Balaguero, sortie le 23 Avril 2008.

lady vengeance

2008-04-09T06:16:00.000-07:00

Robert Guédiguian, le cinéaste social "made in marseille" s'essaye au film de genre, au polar. Que mon inquiétude fut grande! Surtout lors de la vision de la bande-annonce, me laissant envisager le pire...

Guédiguian n'a pas fait les choses à moitié. Pour raconter cette histoire (celle d'une ancienne bande de voyous, qui se retrouvent lors du kidnapping de l'enfant de l'un des leurs), Daroussin se laisse pousser la moustache, Ariane Ascaride se fait tatouer le bras, il les filme au bord de l'Etang de Berre en plein hiver, un jour de mistral et il signe le tout d'un titre enigmatique, en anglais, "lady jane"..... Ca y est, vous craignez le pire, vous aussi? Vous imaginez le thriller "cheap"?

Eh bien vous avez tort! Car le cinéaste méditerranéen a plutôt réussi son pari!

L'atmosphère est bien là. Tendue, crépusculaire, le style est assez sobre, avec peu de dialogue.

Les codes du genre sont donc suivis à la ligne, avec les accessoires adéquats (le bar à hotesse, les grosses berlines, les discussions alcoolisés, la drogue...)

Les personnages sont mystérieux, sombres, avec un passé douteux et un avenir incertain.

L'histoire tient la route, le suspense nous tient en haleine et l'interprétation est à souligner. Les fidéles soldats de Guédiguian sont au rendez-vous: Ariane Ascaride est crédible dans le rôle de cette mère en détresse, Gérard Meylan est impeccable, ainsi que Jean Pierre Daroussin, formidable, comme toujours.

Finalement, les personnages que filme Guédiguian sont bien les siens, avec leurs failles, leurs déchirements, leurs secrets. Et le réalisateur n'oublie pas de conserver le regard conscient, qu'il porte sur son époque.

"lady jane", de Robert Guédiguian, sortie le 9 avril 2008

il a toujours rêvé de vivre une époque révolue

2008-03-25T17:05:00.000-07:00

Un film singulier. C'est le premier constat que l'on fait à sa vision. Du début à la fin. De l'affiche au film, en passant par la bande annonce. Il ne ressemble à aucun autre film actuellement en salle. Un ovni? Un ofni? Sans doute. C'est surtout un film intemporel. A cheval entre deux époques, à la fois très ancré en 2008, mais avec une atmosphère et une esthétique qui n'existe plus.
Du noir et blanc, des passages muets, des acteurs d'un autre temps (Jean Rochefort, Jean-Pierre Kalfon, Laurent Terzief), des vieux chanteurs (Bashung/Arno).........Un délice!

Car si ce n'etait qu'un simple exercice de style, cela n'aurait guère d'intérêt. Mais ici, l'esthétique est au service d'un propos, d'un regard.

Le regard d'un homme (Samuel Benchetrit) qui est nostalgique d'une époque ou les voyous ne détournaient pas 5 milliard d'Euro derrière leur ordinateur, mais simplement cinq mille franc en braquant un bar-tabac de province.
Une époque ou l'on ne vivait pas dans une société aseptisée. On ne mangeait pas bio, on fumait dans les bars, on était insouciant, on avait raison. Une époque où pour traverser la France on n'empruntait pas d'autoroute mais des petites nationales, on ne faisait pas étape chez hippopotamus mais dans un bistro. On y mangeait un steak qui avait baigné dans la matière grasse. Et alors ? Le cholesterol, on s'en fou, car l'humeur est à l'insouciance.
Une époque, ou les centres villes ne mouraient pas au profit des zones commerciales, on n'y remplaçait pas les forêts par des fast-food.

Chez Benchetrit, les gangsters sont gentils, maladroits et ils ont des pistolets en plastiques, les rockstars boivent du thé et Edouard Baer se tait (même si je n'ai rien contre ses tirades, bien au contraire).
Il rend hommage aux acteurs qui le (nous) font rêver (Trintignant, Belmondo, Bogart), aux westerns, aux polars.... Dans son film, les acteurs ne sont pas lisses, ils ont le poids des années, des épreuves de la vie, qui s'inscrivent sur leur visage. Edouard Baer n'a pas fait de musculation pour interpréter ce looser, non il a du bide, son visage est marqué.

Mais sous cet aspect âpre, il y a une vraie comédie qui sommeille. Une comédie peuplée de clowns tristes, ou l'absurde cotoie la mélancolie.

Ce n'est pas pour autant un film qui s'apitoie sur le sort de son époque. Car ici, les vieux n'attendent pas la mort dans un fauteuil, ils sont toujours dans l'action. Et la nouvelle génération ne se laisse pas faire. Ce n'est pas parce que cela avait l'air mieux avant, qu'il nous faut s'empêcher de vivre. C'est ce que le réalisateur semble dire, en donnant le mot de la fin aux jeunes.

On rit de bon coeur, on s'attache aux personnages, qui sont finalement si proches de nous.... En sortant de la salle, on adopte la démarche lente et nonchalante de ces gangsters et on se dit que nous aussi, on aurait bien rêvé d'en être un.

"J'ai toujours rêvé d'être un gangster", de Samuel Benchetrit, sortie le 26 Mars 2008

juliette je t'aime

2008-03-17T16:32:00.000-07:00

- De quoi ça parle?

Phillipe Claudel, écrivain a succès, réalise son premier film.

Une histoire sur la famille, la culpabilité, la vie, l'amour, la mort...Tout un programme!

Après avoir passé 15 ans en prison et avoir été rejetée par les siens, Juliette retrouve sa soeur, Léa, qui l'accueille dans sa famille....Un long travail sur soi, commence alors pour elle.

Comment pardonner à soi? Aux autres? Comment recommencer sa vie? Comment réapprendre à vivre?

- Qu'est-ce que ça donne?

Même s'il est le fruit de l'imagination d'un écrivain, ce film n'a pas été écrit comme un livre mais comme une vraie oeuvre de cinéma.

La preuve avec des personnages qui s'expriment par des silences, des regards et des petits gestes délicat....Ce n'est ni un film bavard, ni un film littéraire. Même si les livres sont très présents à l'écran.

Autour des deux actrices principales (Kristin Scott Thomas et Elza Zylberstein, toutes les deux remarquables), gravitent une galerie de personnages possédant chacun une histoire tragique, et aucune ne semble prendre le dessus sur l'autre.

Cette confrontation entre les divers personnages et leurs histoires permettent de densifier le film. Car ils ont tous une place importante dans la narration et répondent aux thèmes centraux qui sont l'enfermement et la solitude.

Les émotions sont transmises par des petits détails, de manière très subtile. Et ces petits détails de la vie, portés à l'ecran, nous reviennent à l'esprit longtemps après avoir vu le film.

On le porte avec nous, dans notre esprit.

Il est de ces films qui laissent sans voix, qui vous questionnent toute la soirée et qui vous suivent jusque dans votre lit. "Il y a longtemps que je t'aime" est de ceux là.

Tout comme la musique de Jean Louis Aubert, qui, en jouant de sa guitare sèche s'accorde avec ces êtres en déséquilibre, sur un fil...

"Il y a longtemps que je t'aime", de Phillipe Claudel, sortie le 19 Mars 2008

"noir c'est noir, quand il n'y a plus d'espoir..."

2008-03-17T15:56:00.000-07:00

-De quoi ça parle?

Un tueur en série ensanglante Marseille. Louis Schneider, flic au SRPJ, mène l'enquête malgré l'alcool et les fantômes de son passé. Le passé resurgit aussi pour Justine. 25 ans plus tôt, ses parents ont été sauvagement assassinés par Charles Subra. Schneider l'avait alors arrêté. Mais aujourd'hui, par le jeu des remises de peine et pour bonne conduite, Subra sort de prison. Cette libération anticipée va alors réunir Schneider et Justine, deux êtres qui tentent de survivre au drame de leur vie.

- Qu'est-ce que ça donne?

Le nouveau polar d'Olivier Marchal est un vrai film noir, aussi noir que le plus serré des cafés (même si le personnage principal carbure plutot au Whisky).

Servi par un casting qui contient les plus belles gueules du cinéma français (Phillipe Nahon, Gerald Laroche et bien sur Daniel Auteuil), cette histoire ne laisse aucune place à l'espoir (ou presque).

C'est un vrai thriller, haletant, mais aussi un drame qui sort des tripes du réalisateur (il a lui même été policier) et qui réveille chez le spectateur les émotions les plus primaires. On en sort soufflé par l'intensité de l'entreprise (aussi bien au niveau de l'histoire, de l'interprétation et de la mise en scène).

MR 73, d'Olivier Marchal, en salle depuis le 12 Mars 2008